Acteurs : Neve Campbell, Courteney Cox, David Arquette
Date de sortie en France : 16 juillet 1997
Genre : horreur, slasher
Synopsis :
Casey Becker, une belle adolescente, est seule dans la maison familiale.
Elle s'apprête à regarder un film d'horreur, mais le téléphone sonne.
Au bout du fil, un serial killer la malmène, et la force à jouer à un
jeu terrible : si elle répond mal à ses questions portant sur les films
d'horreur, celui-ci tuera son copain...
Avis :
Une sonnerie de téléphone. Une mauvaise réponse. Un hurlement dans la nuit. Et l'une des introductions les plus emblématiques du cinéma d'horreur. Lorsqu'il sort dans la seconde moitié des années 1990, Scream va venir redynamiser un genre alors agonisant : le slasher, popularisé par des sagas telles que Vendredi 13 ou Halloween, et peu à peu enterré par les suites et dérivés foireux. Le succès est immédiat, engendrera à son tour des suites moyennes et des copies aussi ratées qu'opportunistes, et marquera durablement le cinéma d'horreur. Mais, 25 ans plus tard, alors qu'un cinquième volet point le bout de son nez, que reste-t-il du film de Wes Craven ?
Tout simplement un putain de bon film. Aussi ancré dans son époque (les personnages principaux sont incarnés par des acteurs surtout connus pour leurs rôles dans des sitcoms) que respectueux de son passé (Kevin Williamson va brillamment jouer avec les codes, les tourner en dérision, avec un vrai sens de l'à-propos), le film se savoure autant pour lui-même que pour cette espèce de connivence qui s'installe entre le spectateur et le réalisateur. Oui, on perçoit bien les clins d'oeil, on est parfaitement conscients des codes, on regarde même un slasher où le personnage regarde un slasher.
Tout y est extrêmement maîtrisé, des références plus ou moins subtiles à Psychose (le nom d'un personnage, le fait de sacrifier très vite l'actrice la plus connue du casting), Halloween, Vendredi 13, Les Griffes de la nuit (notamment avec un caméo de Craven lui-même, ou une petite pique sur le reste de la saga), Le Bal de l'horreur, L'Exorciste ou encore Terreur sur la ligne au suspense qui fonctionne toujours aussi bien, même lorsque l'on connaît l'identité du tueur. Quitte à s'autoriser quelques libertés avec les raccords ou le plausible. L'équilibre est parfait, et ne sera d'ailleurs jamais approché de nouveau par la saga.
Scream marque ainsi la renaissance du slasher movie, pour le meilleur et surtout pour le pire. Et de Wes Craven. Il va également redynamiser l'ensemble du cinéma d'horreur, et faire naître deux icônes : Ghostface, qui s'est rapidement élevé au rang des boogeymen les plus reconnaissables du genre, et Sidney Prescott, interprétée par Neve Campbell qui va côtoyer les Jamie Lee Curtis chez les scream-queens et Sigourney Weaver chez les femmes fortes. Un classique, tout simplement.
Titre : M.A.L. : Mutant Aquatique en Liberté (DeepStar Six)
Réalisateur : Sean S. Cunningham
Acteurs : Greg Evigan, Nancy Everhard, Miguel Ferrer
Date de sortie en France : 31 mai 1989
Genre : horreur, science-fiction
Synopsis :
L'équipage d'une plate-forme nucléaire aquatique expérimentale est menacé par une créature sous-marine inconnue.
Avis :
Malgré sa réputation de série B très moyenne, voire de nanar, je dois bien avouer que ce Mutant Aquatique en Liberté (les mystères insondables de certains titres VF...) m'a toujours intrigué, mais je n'avais jamais eu l'occasion de le voir. C'est enfin chose faite, et je dois avouer avoir été très agréablement surpris de me retrouver devant un film très sympathique malgré ses nombreux défauts.
Réalisé par Sean S. Cunningham (Vendredi 13), M.A.L. nous propose de plonger dans les abysses quelques mois avant Abyss ou Leviathan, et nous offre une déclinaison évidente de Alien, le huitième passager, avec son huis-clos perturbé par une menace extérieure. Une menace qui se contentera longtemps d'agir hors-champ, attaquant les sous-marins et occasionnant de nombreux dommages à la base sous-marine, donnant à ce DeepStar Six de longues séquences plus proches du film catastrophe que du film d'épouvante.
Mais on ne s'ennuie pas, malgré des péripéties assez banales, sans doute parce qu'on s'attache assez à ces personnages pourtant très archétypaux. On appréciera d'ailleurs la présence du regretté Miguel Ferrer (Twin Peaks, RoboCop, La Nurse) dans un rôle finalement assez crédible, qui éclipse assez facilement le reste du casting. Mention spéciale également aux effets spéciaux qui, s'ils ont immanquablement vieilli, gardent un certain charme et une certaine efficacité, notamment en ce qui concerne la créature, qu'il est presque dommage de ne pas voir davantage tant elle est réussie.
Bref, une petite série B sympathique et sans prétention, qui ne prétend clairement pas révolutionner le genre, et qu'on pourra revoir sans déplaisir !
Acteurs : Anya Taylor-Joy, Thomasin McKenzie, Matt Smith
Date de sortie en France : 27 octobre 2021
Genre : thriller, épouvante
Synopsis :
Passionnée de mode, Eloise n'hésite pas un instant quand
elle doit elle aussi quitter la campagne anglaise pour rejoindre la
capitale, là où sa propre mère mit fin à ses jours des années plus tôt.
Sur place, la jeune femme est victime d'un phénomène inexplicable, et
elle se retrouve soudainement propulsée dans le Londres des années 60.
Prise entre rêve et réalité, elle s'adapte vite à ce cadre si glamour et
agréable. Sa rencontre avec une étoile montante de la chanson va
transformer ses espoirs et cette illusion en véritable cauchemar. Elle
se retrouve désormais en face de tous les fantômes de ce passé qui l'a
toujours hantée...
Avis :
Les
Beatles, les Who, les Rolling Stones, Pink Floyd... Mary Quant et la
minijupe... les mannequins Twiggy et Jean Shrimpton... Les Swinging
Sixties
britanniques représentent une décennie de révolution culturelle,
d’explosion artistique, une période de liberté et d’insouciance. Une
décennie qu’admire Eloise,
jeune étudiante en mode qui débarque à Londres avec ses musiques des
années 60 dans la valise. Une décennie qu’elle rejoindra rapidement dans
ses rêves,
comme pour s’évader d’un monde contemporain où elle ne se reconnaît pas.
Pour finalement s’apercevoir que, de l’autre côté du miroir, cette
période fantasmée
connaît également sa part d’ombre.
Après
un "Baby Driver" que j’avais trouvé anecdotique, Edgar Wright se frotte
cette fois à l’horreur et à l’épouvante psychologique avec cette
héroïne fragile,
plongée dans un univers inconnu et hostile. Le thème n’est certes pas
nouveau, et le personnage interprété par Thomasin McKenzie ("Old") est
une petite
boule de clichés sur pattes : la fille réservée, mais douée,
psychologiquement fragile, qui a perdu sa mère plus jeune, qui débarque
de sa campagne avec toute
l’innocence que ça implique, qui va être confrontée à la grande ville, à
ses excès et à des camarades insupportables. Pourtant, le personnage
est attachant, et va
nous entraîner sans problème dans son sillage, à la rencontre de
Sandie.
Sandie
a du culot, Sandie est belle, Sandie a du talent. Et surtout, Sandie a
vécu pendant les Swinging Sixties, et rêvait d’être la nouvelle vedette
du Café de
Paris. Difficile de ne pas tomber instantanément amoureux du personnage
interprété par Anya "The Witch" Taylor-Joy (décidément faite pour ce type de rôle),
et Eloise va
rapidement vouloir la rejoindre tous les soirs... dans ses rêves. Eloise
s’inspire de Sandie, se coiffe comme elle, s’habille comme elle,
reproduit sa tenue dans
son cours dans son cours de mode.Peu à peu, les frontières entre rêve et
réalité s’estompent, notamment grâce au jeu permanent d’Edgar Wright
sur les lumières
et les reflets.
Les
éléments des rêves surgissent peu à peu dans la réalité, menaçant la
santé mentale d’Eloise.
Wright prend son temps pour faire basculer son film. Pendant une longue
première partie, il nous vend du rêve et de l’espoir, reproduit
l’ambiance des 60s avec
brio, nous épuisant presque dans l'euphorie d'une danse et d'un rythme
intense, n’y intégrant quelques bizarreries qu’avec parcimonie et avec
le sens de la référence que le caractérise. Difficile de ne pas penser à
Mario Bava ou à Dario
Argento sur certains jeux de lumière, ou lorsque Eloise prend le taxi en
direction de son école d’arts. Et quand le film embrasse enfin
pleinement son côté
obscur, c’est après une incroyable reprise de "Downtown" par Anya
Taylor-Joy, qui efface définitivement la frontière entre réalité,
rêve... et cauchemar.
On
ne s’y attend ainsi presque plus lorsque Last night in Soho plonge dans
l’épouvante. Pourtant, plus que de la véritable peur, c’est du malaise
qu’il fait naître
chez le spectateur. Là encore, le thème de la starlette trompée n’est
pas neuf, mais la descente aux enfers est terrible, et le faciès si
particulier de Matt Smith
("Lost River", le onzième "Doctor Who") renforce encore ce malaise, tout
comme ces spectres aux visages flous qui assaillent de plus en plus
Eloise. Si la première partie nous étouffait presque par ses lumières,
la seconde lui répond parfaitement en nous maintenant en permanence sous
pression. Seul petit regret : un final qui s'étire un peu en longueurs,
notamment à cause de ficelles scénaristiques trop grosses et d'une
tendance à trop expliquer ce que le spectateur avait déjà compris.
Le
dernier Edgar Wright ne ressemble finalement pas vraiment à ses
précédentes oeuvres, exception faite de l'importance de la musique dans
le film et pour le personnage principal, et de son goût pour les
classiques. Le réalisateur britannique signe ici l'un des meilleurs
films de l'année, aussi envoutant qu'inquiétant, et peut-être son film
le plus abouti. Et n'oubliez pas : Things will be great when you're Downtown, No finer place for sure Downtown... everything's waiting for you...
Acteurs : Jamie Lee Curtis, Judy Greer, Andi Matichak
Date de sortie en France : 20 octobre 2021
Genre : horreur, slasher
Synopsis :
Laurie Strode, sa fille Karen et sa petite fille Allyson viennent
d’abandonner le monstre au célèbre masque, enfermé dans le sous-sol de
la maison dévorée par les flammes. Grièvement blessée, Laurie est
transportée en urgence à l’Hôpital, avec la certitude qu’elle vient
enfin de se débarrasser de celui qui la harcèle depuis toujours. Mais
Michael Myers parvient à s’extirper du piège où Laurie l’avait enfermé
et son bain de sang rituel recommence. Surmontant sa douleur pour se
préparer à l’affronter encore une fois, elle va inspirer la ville
entière qui décide de l’imiter et de se soulever pour exterminer ce
fléau indestructible. Les trois générations de femmes vont s’associer à
une poignée de survivants du premier massacre, et prennent les choses en
main en formant une milice organisée autour de la chasse et la
destruction du monstre une fois pour toutes. Le mal meurt cette nuit.
Avis :
Second volet de la nouvelle trilogie consacrée à Michael Myers et Laurie Strode, Halloween kills démarre là où Halloweenfinissait : les femmes de la famille Strode ont piégé le tueur et ont incendié la maison, le laissant pour mort. Mais, évidemment, on ne tue pas le croquemitaine aussi facilement.
Avec ce deuxième volet, David Gordon Green continue à imposer sa version du boogeyman, remplaçant largement celle de Carpenter. Michael Myers n’est plus The Shape, ne se cache plus dans l’ombre pour attaquer par surprise sa victime. Dans la lignée du film précédent, Myers est un bourrin à la Jason Voorhees, massacrant des remorques de personnages apparus 30 secondes plus tôt, jusqu’à se débarrasser tranquillement d’une dizaine d’adversaires tout en résistant à leurs assauts. J’imagine que chacun appréciera différemment ce changement radical dans le comportement du tueur, qui m’a laissé un peu perplexe alors que j’avais plutôt bien aimé la brutalité du précédent volet.
Un autre élément qui m’a laissé un goût incertain est cette volonté de relier ce film à celui de 1978. D’un côté, il y a la formidable idée des séquelles psychologiques laissées sur les survivants, de contamination de la ville par le Mal, la transmission de la peur du croquemitaine, et ce regroupement en milice pour enfin affronter et se venger de Myers… avec toutes les démesures et les dérives que cela entraîne. De l’autre, il y a ce sentiment que certains acteurs ne reviennent 40 ans plus tard que pour faire monter le nombre de victimes ou pour appuyer un hommage déjà très présent.
Bref, on se retrouve devant un film qui ne sait pas s’il doit respecter son aîné, ou au contraire s’en émanciper totalement. Pour éviter de choisir, le film choisit la surenchère, jusqu’à faire de son croquemitaine une espèce de monstre invincible au comportement sans queue ni tête (on ne sait pas trop pourquoi il s’acharne sur certaines victimes, mais pas sur d’autres, pourquoi il met en scène certains meurtres, mais pas d’autres, pourquoi il se laisse arrêter alors qu’il est capable de dégommer tranquillement une douzaine d’adversaires…). On a surtout l’impression que personne ne sait vraiment, en fait...
Eva est paraplégique depuis trois ans. Pour son anniversaire, elle reçoit en cadeau un étrange calendrier de l’Avent.
Mais ce ne sont pas les traditionnelles friandises qu’elle découvre
chaque jour, mais des surprises plus inquiétantes, parfois agréables,
souvent terrifiantes, et de plus en plus sanglantes. Cette année, Noël va être mortel !
Avis :
Le cinéma d'horreur aime les fêtes et les dates particulières. Halloween, Vendredi 13, Noël, la Saint Valentin, les anniversaires... Tout peut-être prétexte à célébration horrifique, à malédiction, les réalisateurs n'ayant finalement que le choix dans la date. Patrick Ridremont, dont c'est le deuxième long-métrage après l'étonnant (et très bon) Dead man talking, va pousser le concept plus loin et nous proposer un calendrier de l'avent fantastique.
24 cases donc, pour 24 journées et autant de surprises. D'entrée, les règles sont claires : si l'on commence le calendrier, il faudra aller au bout, et il est interdit de s'en débarrasser. Dans les deux cas, la sentence sera la même : la mort. Ayant reçu l'objet comme cadeau d'anniversaire début décembre, Eva, ancienne danseuse devenue tétraplégique à la suite d'un accident de voiture, ne prend évidemment pas ces avertissements au sérieux. Mais, rapidement, alors que certains événements étranges se succèdent dans son entourage, elle va devoir se rendre à l'évidence : il lui faut suivre les règles, et si les friandises qu'elle découvre ont des effets formidables (argent, amour, guérisons...), il y a un prix à payer pour en profiter.
On se retrouve ainsi devant une réinterprétation du mythe de Faust, avec cette question permanente : les améliorations dans la vie d'Eva (et notamment l'usage retrouvé de ses jambes, pour cette ancienne danseuse professionnelle) valent-elles davantage que les vies de certains membres de son entourage (les très caricaturaux patron, trader ou belle-mère), voire de certains amis ou membres de sa famille ? C'est l'un des points les plus réussis du film : dans un univers horrifique où le personnage principal aurait la plupart du temps cherché à combattre l'entité, ou à comprendre la malédiction, Eva subit la situation autant qu'elle en jouit, et endosse parfois le rôle d'un véritable monstre pour certains, comme dans la séquence de la poupée, proche du vaudou.
Le principe même du film permet de rythmer l'ensemble de façon assez élégante, même si on pourra trouver l'enchaînement des jours assez répétitif. On appréciera quand même l'imagination dont fait preuve Patrick Ridremont, jouant avec le temps (quelques jours disparaissent mystérieusement, un autre est vécu d'un point de vue différent le lendemain), et avec les références (comme avec ce superbe hommage à Nosferatu) et qui permettra de pardonner certaines facilités scénaristiques (personne ne semble vraiment s'inquiéter du comportement d'Eva, et celle-ci retrouve trèèèès facilement l'ancien propriétaire du calendrier), ou l'impression que le film, assez calme au niveau horrifique aurait pu aller plus loin, tant niveau visuel que niveau ambiance, notamment grâce à un boogeyman assez terrifiant mais finalement peu exploité.
Le principal bémol vient sans doute de l'interprétation, qui nous fait parfois totalement sortir du film. J'ai ainsi eu beaucoup de mal à croire aux personnages de John, le patron d'Eva, ou de Boris, l'insupportable trader, même si l'on sent que ces personnages sont volontairement caricaturaux. Rien de rédhibitoire néanmoins pour un film qui, s'il ne fera sans doute pas date, permet de passer un bon moment.
Titre : Resident evil : bienvenue à Raccoon City (Resident evil: welcome to Raccoon City)
Réalisateur : Johannes Roberts
Acteurs : Kaya Scodelario, Hannah John-Kamen, Robbie Amell
Date de sortie en France : 24 novembre 2021
Genre : horreur
Synopsis :
Autrefois le siège en plein essor du géant pharmaceutique Umbrella
Corporation, Raccoon City est aujourd'hui une ville à l'agonie. L'exode
de la société a laissé la ville en friche... et un grand mal se prépare
sous la surface. Lorsque celui-ci se déchaîne, les habitants de la ville
sont à jamais... changés... et un petit groupe de survivants doit
travailler ensemble pour découvrir la vérité sur Umbrella et survivre à
la nuit.
Avis :
Après les adaptations tant critiquées de Paul W.S. Anderson et sa clique, difficile de dire si l'annonce il y a quelques mois d'un nouveau film basé sur la célèbre saga était attendue avec espoir ou avec méfiance. L'espoir d'avoir enfin une oeuvre plus fidèle à la série de jeux vidéo, la crainte de voir une nouvelle fois la saga massacrée, comme le sont trop souvent les jeux adaptés au cinéma. Il suffit de voir le dernier Mortal Kombat, par exemple.
Comme souvent, les annonces ont soufflé le chaud et le froid. James Wan (Conjuring, les dossiers Warren, Malignant) puis Greg Russo (justement scénariste de Mortal Kombat) furent un temps associé au projet, avant que Johannes Roberts (le mauvais The Door ou le sympathique 47 meters down) n'hérite du bébé pour en signer le scénario et la réalisation. Dans le cadre d'une communication bien huilée et destinée à rassurer tout le monde, il annoncera souhaiter être "plus fidèle aux jeux", et vouloir faire "un film très effrayant". Résultat des courses : un film qui ne sera ni fidèle aux jeux vidéo, ni terrifiant. Oups.
Le film de Roberts s'inspire des scénarios (un bien grand mot) des deux premiers jeux et de leurs remakes. Dans Resident Evil, une équipe de policier enquêtait dans un manoir perdu en plein forêt, et y affrontait des monstres créés par la société pharmaceutique Umbrella. Dans Resident Evil 2, la catastrophe s'était répandue dans toute la ville. Bienvenue à Raccoon City va donc mélanger les deux histoires, en visiter les lieux emblématiques et y regrouper les principaux personnages. Avec un sens très particulier de l'adaptation.
Car l'unique élément commun aux jeux et au film, c'est cette idée de série B bas du front, où on avance sans réfléchir. Cela fonctionne parfaitement manette en main, avec l'intensité toute particulière que l'on ressent lorsque l'on est acteur de l'aventure, cela ne fonctionne au cinéma qu'avec un peu de générosité et d'imagination. Ce que l'on ne retrouvera jamais dans le film de Roberts.
Car celui-ci se contente finalement de proposer une juxtaposition des scènes clés des jeux : la découverte du premier zombie dans le manoir, le conducteur de camion infecté, jusqu'à la fuite en train. Entre deux, il n'y aura que des scènes d'action, ce qui aurait pu fonctionner si elle n'avait pas été aussi poussives et navrantes. Difficile de ne pas être amusé devant les affrontements dans le manoir ou dans le parking par exemple. On se retrouve ainsi devant un film d'action médiocre et souvent consternant, où les personnages se comportent comme des personnages, où l'humour tombe systématiquement à plat, où les incohérences sont beaucoup trop nombreuses. Si on ajoute à tout ça une musique omniprésente, et qui vient souligner lourdement chaque mouvement de caméra et chaque élément scénaristique, et une interprétation très moyenne, on assiste finalement à un spectacle gênant, comme si on avait donné les clés (en forme de trèfle, de coeur, de carreau et de pique, évidemment) à une bande de pote vaguement fans du jeu vidéo mais sans grande connaissance du langage cinématographique. Il n'y aura pas besoin de chercher longtemps pour trouver des films réalisés par des fans et bien mieux troussés que celui-ci. Même les effets spéciaux et les maquillages sont complètement ratés, à l'image des chiens-zombies, du Licker, du monstre final ou du fameux "premier zombie", moins réussi que sa version vidéoludique vieille de vingt ans.
Quant à l'aspect adaptation, eh bien... Disons que Bienvenue à Raccoon City prouve une nouvelle fois qu'il ne suffit pas de balancer des références à tout bout de champs (les clés d'un côté, de visiter quelques lieux des jeux ou de mettre en scène des personnages ayant le même nom que ceux des jeux pour être une bonne adaptation. Il me semble que la saga Jovovichienne l'avait assez démontré. Si je me fous un peu que les acteurs ne ressemblent pas aux personnages des jeux (sinon, je me contenterais des films et séries d'animation), faire de Jill Valentine une cruche obsédée par les armes à feu et par Wesker, de Leon un crétin incompétent, ou de Lisa Trevor une gentille fille un peu bizarre m'ennuie un peu plus. Résumer le commissariat, le manoir ou le laboratoire souterrain à trois malheureuses pièces aussi. Et vous pourrez glisser toutes les discussions sur des requins géants, tous les "jumeaux Ashford", toutes les scènes mi-générique débiles, tous les détails dans les décors, tous les trousseaux de clés que vous voulez : ce n'est pas une adaptation. C'est un mec qui a bouffé les scénarios des jeux et qui les a vomis.
Johannes Roberts réussit l'exploit de presque nous faire regretter Paul W.S. Anderson et Milla Jovovich. Son film est un loupé à tous les points de vue, en tant que série B d'action vaguement horrifique comme en tant qu'adaptation de jeu vidéo. Il rejoindra ainsi des aînés aussi peu recommandables que Street Fighter (avec qui il partage notamment le goût pour les adaptations de personnages à côté de la plaque) ou House of the dead (pour ses clins d'oeil bourrins et inutiles) dans la catégorie toujours plus riche des adaptations foireuses de jeux vidéo.
Une équipe de film vient tourner un documentaire sur le chamanisme dans
un village thaïlandais. Ils s’intéressent tout particulièrement à Nim,
une chamane habitée par un esprit qui se transmet de génération en
génération dans sa famille. Mais le tournage va prendre une tournure
terrifiante…
Avis :
Le cinéma thaïlandais n'est sans doute pas celui que l'on connaît le plus, même pour les amateurs de cinéma asiatique. Une méconnaissance sans doute due à l'exploitation d'un folklore local assez hermétique, avec ses nombreux phi (un terme que l'on pourrait traduire par esprit mais qui est en même temps beaucoup plus riche que ça) et ses légendes locales, comme celle de Nang Nak, exploitée dans de très nombreux films ; mais aussi pour leur goût pour les débordements dérangeants, avec par exemple l'étonnant phi Krasü, créature constituée d'une tête volante d'où pendent ses entrailles, ou l'exploitation horrifique de foetus et de bébés, comme dans The Snow white. Bref, rien de très vendeur pour le grand public occidental, qui ne connaît souvent ce cinéma que par le biais des frères Pang (la saga The Eye, Les Messagers) ou des réalisateurs Parkpoom Wongpoom et Banjong Pisanthanakun (l'excellent Shutter et Alone). Des éléments qui expliquent peut-être pourquoi The Medium ne débarquera sans doute pas sur nos écrans, en dehors de sa projection au Festival du Film Coréen à Paris. Dommage.
Pourtant, le film est précédé d'une énorme réputation, née notamment de son exploitation en Corée du Sud : des journalistes qui en pleurent de terreur, des critiques qui en font des cauchemars (ce qui arrivera également à l'un de nos chroniqueurs les plus chevronnés !), des séances où l'on laisse la lumière allumée pour rassurer les spectateurs, d'autres où des bouchons d'oreilles sont distribués... Forcément, même si l'on se méfie toujours de ce genre d'échos (on ne compte plus les films médiocres faisant leur promotion sur les réactions disproportionnées des spectateurs), ça intrigue et donne clairement envie de se faire une idée soi-même.
Une envie d'autant plus grande que le réalisateur n'est autre que Banjong Pisanthanakun (Shutter donc, mais également l'un des plus gros succès de l'histoire du cinéma thaïlandais avec Pee Mak, adaptation... de la légende de Nang Nak), et que le producteur et scénariste est le sud-coréen Na Hong-jin, réalisateur des formidables The Chaser et The Strangers, qui reste l'une des rares expériences cinématographiques de ces dernières années à m'avoir véritablement remué.
The Medium se présente comme un reportage suivant le personnage de Nim, une chamane possédée par l'esprit de Ba Yan, et faisant le lien entre la divinité et le village. Dans la famille de Nim, cette tâche se transmet de génération en génération : sa grand mère, puis sa tante ont été possédées par Ba Yan, mais sa soeur Noi a refusé de devenir medium, préférant se tourner vers le Christianisme. Noi vient par ailleurs de perdre son mari, Wiroj, mort d'un cancer, peu après le suicide de leur fils, Mac. Enfin, Nam et Noi ont également un frère aîné, Manit.
Pisanthanakun prend le temps de nous présenter ces personnages, leurs différents caractères, ce qui les lie et ce qui les sépare, et même certains éléments de leurs passés respectifs, comme le destin du grand-père puis du père de Wiroj. En plus d'apporter une vraie profondeur aux protagonistes (par ailleurs parfaitement interprétés, notamment par Sawanee Utoomma et Narilya Gulmongkolpech), tous ces détails auront leur importance dans l'histoire, renforçant la crédibilité de ce qui leur arrive. Une histoire qui, elle-même, prend le temps de se développer, et réussit même par le biais de ce faux documentaire à donner ou à suggérer au profane les clés nécessaires à la compréhension des événements folkloriques.
Et ça fonctionne parfaitement. Comme souvent dans les films traitant de possession, le spectateur attentif pourra repérer les premières manifestations, souvent subtiles, comme un comportement qui change légèrement (un manque d'attention lors de funérailles par exemple) ou un étrange reflet dans une vitre. Les manifestations deviennent ensuite plus classiques, plus évidentes, mais restent terriblement efficaces grâce à un sens aigu de la mise en scène (l'utilisation des caméras portées par l'équipe aura rarement été aussi judicieuse - quitte à parfois sembler artificielle) et du timing.
C'est simple, si le film progresse très lentement durant sa première heure, installant parfaitement ses enjeux et son ambiance, la pression monte ensuite très vite, pour ne plus lâcher le spectateur durant 40 minutes. On bascule alors dans des séquences terrifiantes, où les rares jump-scares viennent simplement nous permettre de souffler quelques secondes avant de replonger dans l'ambiance cauchemardesque accompagnant l'ultime séquence. A l'image de la dernière partie de The Strangers, avec lequel le film partage de nombreux points (le lien entre modernité et tradition, la présence discrète et pourtant omniprésente des croyances, la perversion de l'innocence, l'importance de l'héritage...), on ressort complètement lessivé de cette conclusion, qui nous hante encore bien longtemps après que les lumières se sont rallumées.
The Medium est une vraie expérience, qu'il est presque criminel de ne pas proposer sur grand écran, notamment pour profiter d'une ambiance sonore particulièrement immersive. Clairement le meilleur film horrifique de l'année, et l'une des oeuvres les plus marquantes depuis longtemps, The Medium est un film qu'on a autant envie de vite revoir, afin de mieux appréhender certains détails de l'histoire, que d'oublier, tant il peut être éprouvant.
Acteurs : Jean-Claude Van Damme, Roger Moore, James Remar
Date de sortie en France : 24 juillet 1996
Genre : arts martiaux, aventures
Synopsis :
En 1925, Christophe Dubois, acrobate de rue, est le leader d'un groupe
d'orphelins qui vivent de rapine. Leur dernière prise, une mallette
remplie d'argent dérobée à un gangster, va bouleverser sa vie. Retrouvé
par les trafiquants, Christophe s'enfuit et se cache dans les cales d'un
cargo en partance pour l'Extrême-Orient. Découvert par l'équipage, il
est enchainé puis libéré par des pirates qui écument les côtes
chinoises. Lord Dobbs, leur chef, remarque l'extraordinaire aptitude de
Christophe au combat et décide d'un faire un champion de combats
clandestins.
Avis :
Le Grand tournoi est la première réalisation de Jean-Claude Van Damme, à une époque où ses films commencent à rencontrer moins de succès. Souhaitant sans doute rester en terrain connu et exploiter une recette qui a fait ses preuves, il reprend l’idée d’un tournoi auquel le personnage principal n’était à l’origine pas voué à participer. On pense évidemment à Tous les coups sont permis ou Kickboxer, le tout dans une ambiance bien particulière.
Car le film prend place en 1925, dans une île perdue au large du Siam, donnant à l’ensemble un côté film d’aventures au charme un peu désuet mais appréciable. Un charme renforcé par la présence de Roger Moore, qui apporte son flegme tout britannique à un personnage de vieille fripouille à qui l’on donnerait pourtant le bon Dieu sans confession. Mais si l’ancien James Bond tire largement la couverture à lui, on est surtout là pour les combats.
Et il faut bien avouer que ceux-ci sont particulièrement prenants. Les affrontements opposent des combattants d’origines diverses, et on prend un vrai plaisir à voir s’opposer des styles radicalement différents, du sumo à la boxe thaï en passant par la boxe ou la capoeira. Mention spéciale pour le combattant chinois, d’une vivacité impressionnante et qui mime des mouvements d’animaux. Finalement, seul le grand méchant du film, combattant Mongol interprété par l’impressionnant Abdel Qissi (l’adversaire final de Full contact) nous laissera sur notre faim, ne dégageant pas grand-chose, notamment lors du dernier duel, interminable.
Entre film d’aventures et film d’arts martiaux, la première réalisation de JCVD ne manque pas de défauts mais se suit sans déplaisir grâce à son ambiance et à la présence de Roger Moore. Du bon petit film d’action à l’ancienne, soigné, sans esbroufe ni prétention.
L'histoire de Paul Atreides, jeune homme aussi doué que brillant, voué à
connaître un destin hors du commun qui le dépasse totalement. Car s'il
veut préserver l'avenir de sa famille et de son peuple, il devra se
rendre sur la planète la plus dangereuse de l'univers – la seule à même
de fournir la ressource la plus précieuse au monde, capable de décupler
la puissance de l'humanité. Tandis que des forces maléfiques se
disputent le contrôle de cette planète, seuls ceux qui parviennent à
dominer leur peur pourront survivre…
Avis :
lisse, adj.
Dont la surface est unie, polie, sans aspérités.
Si le Larousse cherche une illustration à cette définition, il n'aura pas à chercher bien loin : il suffira d'intégrer un lien vers le film le plus attendu de l'année, la nouvelle adaptation de Dune de Frank Herbert, par Denis Villeneuve. Car le film va soigneusement gommer tout ce qui pourrait dépasser (et qui pouvait, par exemple, faire le charme de certains éléments de la version de Lynch), afin d'offrir au plus grand nombre un bon petit blockbuster consensuel à sa mémère.
On a ainsi l'impression d'être devant une succession de jolies images plus que devant un film. Profondeur de champ, construction des plans, rien à dire, visuellement tout y est, d'autant que les effets spéciaux sont irréprochables (mais c'est le cas pour tous les gros blockbusters, de nos jours). Les acteurs aussi, sont superbes : pas un poil de trop, pas une ride (à part, bien sûr, les méchants, qui sont forcément moches)... Mais du coup, impossible de s'attacher à eux, impossible même de les considérer comme des personnages : quand on voit Oscar Isaac à l'écran, on voit Oscar Isaac, pas Leto Atreides. Pareil pour Thimotée Chalamet, Rebecca Ferguson ou Jason Momoa.
Forcément, dans de telles conditions, il devient compliqué de de ressentir une quelconque émotion : nous sommes face à des acteurs qui évoluent dans de jolis décors. C'est tout. Et ce ne sont pas ces tics de réalisation monstrueusement lourdingues qui vont arranger le constat : on ne compte plus les ralentis, les mêmes images montrées plusieurs fois, pour bien faire comprendre au spectateur (qui, c'est bien connu, est un peu con) qu'il s'agit d'une vision. Je pense que si on vire ces séquences où Zendaya se retourne au ralenti, on gagne environ une demi-heure de film. Le recours systématique à cet artifice en devient presque parodique, tout comme l'utilisation de la musique de Hans Zimmer, qui livre la partition la plus zimmerienne possible. Vous avez déjà vu les plans du film dans d'autres oeuvre ? Vous aurez encore davantage entendu sa musique, tant elle ne cherche qu'à rester dans les clous. Et quand elle soulignera inutilement une séquence, ou quand la voix féminine vous pourrira une nouvelle fois les oreilles pour souligner le côté mystique et fantastique des images, c'est contre vos tympans que viendront frotter lesdits clous.
Alors oui, on s'ennuie peu, même si on connaît globalement déjà l'histoire. Tout est beau, tout est précis. Mais on ne ressent aucune émotion devant un blockbuster beaucoup trop calibré, où rien ne dépasse, pas même un grain de sable. Aucun émerveillement, aucune tension, aucune tristesse, aucune surprise, juste le cahier des charges pour plaire au plus grand nombre. Comme souvent chez Denis Villeneuve, finalement. Personnellement, ce n'est pas ce que je cherche quand je vais au cinéma, même lorsqu'il s'agit d'un blockbuster.
Acteurs : Annabelle Wallis, Maddie Hasson, George Young
Date de sortie en France : 1er septembre 2021
Genre : épouvante, horreur
Synopsis :
La vie de Madison Mitchell est perturbée lorsque de terribles visions
viennent la hanter. Quelle est cette créature malveillante qui la
poursuit et commet ces meurtres atroces ?
Avis :
Entre deux films Aquaman, James Wan revient, comme souvent, à
son genre de prédilection avec Malignant. Un film d’épouvante
donc, pour celui qui alimente depuis quelques années certaines des
franchises les plus rentables – et redondantes – du genre, de la
saga Saw, qu’il a initiée, à la saga Insidiouset
au triste Conjuringverse, dont il a signé les deux premiers
volets. Ces dernières années, le réalisateur semble s’être
enfermé dans une recette paresseuse, mais gagnante, à base de films
copiés-collés, à l’emballage plutôt élégant, mais se reposant
uniquement sur les jump-scares.
Bref, on a peu de doutes sur ce qui nous attend en allant voir ce
Malignant, et pendant une bonne partie du film, on ne sera pas
surpris: James Wan va nous proposer des plans très
travaillés, faire virevolter sa caméra, faire des travellings
acrobatiques, le tout juste pour étaler sa technique et finalement
balancer un jump-scare. James Wan, c’est ce gamin qui fait 3 fois
le tour du terrain en jonglant, en multipliant roulettes et
passements de jambes, pour finalement tirer à côté. Dans les deux
cas, ça manque sa cible, et c’est terriblement frustrant parce
qu’on sait qu’il y a quelque chose : Wan sait faire naître
la tension, il sait mettre le spectateur mal à l’aise… mais
gâche systématiquement ses approches par le pire gimmick du cinéma
d’épouvante moderne, aussi contreproductif (non, sursauter, ce
n’est pas avoir peur) qu’insultant pour le spectateur.
Puis peu à peu, le film propose autre chose. On sort du cadre de
l’épouvante pure pour explorer d’autres horizons. En fait, on
sort même de l’épouvante à la mode de 2021 pour revenir
plusieurs décennies en arrière : il y a presque du giallo dans
cet étrange tueur à la longue veste, aux mains gantées, utilisant
une arme blanche et jouant volontiers avec la lumière et les
reflets. Il y a du slasher, de l’horreur psychologique, du body
horror bien sale, notamment lorsque l’identité de la menace se
dévoile pleinement… Le film ose enfin sortir des sentiers battus,
et ça fait franchement du bien.
Et surtout, il y va avec une vraie générosité, plongeant
intégralement dans l’étrangeté de son histoire :
Malignant en devient un film un peu fou, sans doute bourré de
défauts, sans doute un peu grotesque par moments (le poste de
police), sans doute souvent de mauvais goût, mais d’une folie que
l’on perd malheureusement dans le cinéma horrifique sur grand
écran. Forcément, on va perdre les adeptes de l’épouvante bien
lisse et bien calibrée, mais de mon côté, je préfère mille fois
cette proposition à l’idée de me refaire un Conjuring.
Acteurs : Vincent Lindon, Agathe Rousselle, Garance Marillier
Date de sortie en France : 14 juillet 2021
Genre : thriller
Synopsis :
Après une série de crimes inexpliqués, un père retrouve son fils disparu
depuis 10 ans. Titane : Métal hautement résistant à la chaleur et à la
corrosion, donnant des alliages très durs.
Avis :
Si on ne l'avait pas encore compris suite à l'accueil étrangement positif d'une certaine presse au moment de la sortie de Grave, la récente Palme d'Or reçue pour Titane est venue le confirmer : Olivia Ducournau a la carte. Celle qui permet d'ouvrir les portes et de s'offrir les commentaires dithyrambiques de ceux qui sont payés pour aimer certains films. Même quand on fait du caca sans queue ni tête, comme avec ce second film qui ferait passer Grave pour un modèle de finesse et d'élégance.
Titane est donc l'histoire d'une danseuse psychopathe qui tombe enceinte d'une voiture et tente de se faire passer pour le fils disparu d'un pompier vétéran pour échapper à la police. Pas si compliqué à "pitcher", finalement. A partir de là, c'est le grand n'importe quoi : l'héroïne secrète de l'huile de moteur, tue tous les occupants d'une maison, se fracasse la tronche pour ressembler à un mec, et s'introduit donc dans la vie d'un vieux pompier dépressif. Tout ceci est d'une connerie et d'une vulgarité sans nom, et on se prend régulièrement à sourire devant des situations franchement grotesques.
Reste finalement le personnage de Vincent Lindon, aussi inquiétant que touchant dans le rôle de ce père endeuillé prêt à croire à n'importe quoi, même lorsque tout le monde essaie de le raisonner. C'est quand même bien peu, surtout si l'on se prend à imaginer ce qu'un Cronenberg ou un Tsukamoto auraient pu faire avec un tel sujet. Ici, on se retrouve donc face à un film de genre vaguement auteurisant, qui cache son absence totale de fond derrière une surenchère un peu puérile. Bref, tout pour plaire à un certain public adepte de petits frissons bien lisses et de métaphores bien scolaires.
Acteurs : Jean-Claude Van Damme, Harrison Page, Ashley Johnson
Date de sortie en France : 1er août 1990
Genre : arts martiaux
Synopsis :
Lyon, légionnaire, est stationné dans un poste avance du désert
nord-africain lorsqu'il apprend que son frère, à Los Angeles, est
sérieusement blessé. Il déserte pour lui porter secours mais, sans
argent, se lance dans les combats de full contact. Lorsqu'il arrive
enfin, hélas, son frère est mort et la veuve refuse sa protection, tandis
que deux mercenaires veulent le ramener de force a la Légion.
Avis :
Après le très moyen Kickboxer, JCVD revient fracasser des adversaires dans Full contact. Une suite de combats, au service d’une histoire simple, mais efficace, où notre combattant belge préféré va juste tenter de se faire un peu d’argent pour aider la veuve de son frère en participant à des combats clandestins.
Oubliées donc les interminables séquences d’entraînement ou les longs tunnels scénaristiques sans grand intérêt : Full contact va à l’essentiel, en nous offrant régulièrement des combats. Et ces derniers sont plutôt réussis, notamment grâce à des décors relativement variés (sous un pont, dans un parking, dans une salle de squash…) et un Van Damme qui en prend quand même pas mal dans la tête – avant de gagner, évidemment.
Le clou du spectacle sera l’affrontement avec Attila, interprété par l’impressionnant Abdel Qissi, l’un des antagonistes les plus mémorables du genre, dans un combat là encore très réussi. Lisible, bien chorégraphié, bien scénarisé, sans aller trop loin dans le syndrôme « monstre invincible pendant tout le combat et finalement détruit par le courage du héros ». Là encore, la comparaison avec l’affrontement final de Kickboxer saute aux yeux.
Full contact constitue donc l’un des films les plus recommandables de JCVD, en trouvant un bon équilibre entre son histoire et ses combats. Pas au niveau d’unTous les coups sont permis, dont il reprend certains éléments (le duo lancé à la poursuite du héros déserteur) mais vraiment sympathique !
Acteurs : Virginie Efira, Charlotte Rampling, Lambert Wilson
Date de sortie en France : 9 juillet 2021
Genre : historique, drame
Synopsis :
Au 17ème siècle, alors que la peste se propage en Italie, la très jeune
Benedetta Carlini rejoint le couvent de Pescia en Toscane. Dès son plus
jeune âge, Benedetta est capable de faire des miracles et sa présence au
sein de sa nouvelle communauté va changer bien des choses dans la vie
des soeurs.
Avis :
Comme son nom l’indique, Benedetta est l’adaptation cinématographique de la vie de Benedetta Carlini, une religieuse catholique italienne du dix-septième siècle, condamnée pour saphisme. Un thème particulièrement fort, mêlant sexualité (homosexualité, même!) et sacré. Et il faut bien avouer que Paul Verhoeven, décidément à l’aise dans les reconstitutions historiques (La Chair et le sang, Black book) n’y va pas avec le dos de la cuillère.
Car la religieuse, magnifiquement interprétée par une sublime Virgine Efira, est à la croisée des chemins : sa foi est mise à rude épreuve par l’arrivée dans le couvent de Bartolomea, qui éveille en elle des envies peu compatibles avec ses croyances et son mode de vie. Dans le même temps, la religieuse a des visions (d’indescriptibles délires mettant en scène le Christ lui-même), semble au centre de miracles, et présente les stigmates. Est-elle vraiment une messagère de Jésus, ou tout ceci n’est-il que manipulation ? Toujours est-il que cette mise en avant, tout comme sa relation avec Bartolomea, ne sont pas vues d’un très bon œil dans cet univers si fermé. Et comme si cela ne suffisait pas, la région est frappée par la Peste, et il n’y guère que Dieu qui semble pouvoir protéger les citoyens… par le biais de Benedetta ?
Cela donne lieu à d’incroyables trafics d’influences au sein du couvent et de la hiérarchie catholique, chacun avançant ses pions pour évoluer, quitte à mentir, espionner, dénoncer, truquer… ou torturer. Le film parvient à la fois à nous subjuguer, à nous séduire (les très belles scènes d’amour), à nous amuser (Verhoeven manie toujours aussi bien l’humour noir et le cynisme, et Lambert Wilson apporte dans la dernière partie un peu de fraicheur avec son côté pince-sans-rire), mais aussi à nous scandaliser et à nous choquer.
Résultat, on ne ressort pas indemne de cette œuvre folle, portée par des acteurs fabuleux, et qui parle de foi et d’amour dans leurs plus belles et plus terribles variations, sans jamais attaquer gratuitement la religion (là encore, le film trouve un remarquable équilibre) et en laissant le spectateur tirer ses propres conclusions. Une œuvre très forte, qui marquera forcément les esprits !
Acteurs : Gael Garcia Bernal, Vicky Krieps, Rufus Sewell
Date de sortie en France :21 juillet 2021
Genre : thriller, suspense
Synopsis :
En vacances dans les tropiques, une famille s’arrête pour quelques
heures sur un atoll isolé où ils découvrent avec effroi que leur
vieillissement y est drastiquement accéléré et que leur vie entière va
se retrouver réduite à cette ultime journée.
Avis :
Adaptation de Château de Sable de Pierre Oscar Levy et Frederik Peeters, Oldest le nouveau film de M. Night Shyamalan, l'homme qui aime les idées mystérieuses, mais ne sait pas toujours ce qu'il doit en faire.
Et il faut bien avouer que cette idée de plage où les personnages vieillissent beaucoup plus vite qu'en temps normal avait tout pour intriguer, notamment grâce à une bande-annonce efficace. Hélas, le film ne sera en fait qu'une version longue de cette bande-annonce, cette dernière révélant les principales péripéties. Un peu comme si le film de presque deux heures était lui aussi venu sur cette plage pour être accéléré.
Une nouvelle fois, Shyamalan ne sait donc pas quoi faire de son mystère. Alors il tergiverse, il tourne en rond, il tente de garder le secret sur un mystère que le spectateur connaît dès la lecture du synopsis, et finit par se caricaturer en multipliant les effets de caméra juste pour le plaisir de multiplier les effets de caméra.
On ne pourra pas non plus s'intéresser aux personnages, ceux-ci n'étant que des archétypes sans grand intérêt (le couple en cours de séparation, le riche médecin et sa pouffe, le rappeur noir...) dont le destin ne réserve aucune réelle surprise, et dont les interprètes offrent le strict minimum. Résultat de tous ces défauts : la tension manque cruellement, et tout ce qui nous fait tenir, c'est l'espoir d'une explication sur cette plage. On ne sera pas déçus.
Car Shyamalan ne savait apparemment pas comment terminer son film, et nous offre donc deux fins consécutives, bien différentes l'une de l'autre. Une forme d'aveu d'impuissance, qui vient conclure paresseusement un film qui n'aura de toute façon jamais décollé...
Lorsque les plus grands champions de la Terre sont appelés à combattre les ennemis de l'Autre Monde, ils doivent découvrir leurs véritables pouvoirs pour sauver notre planète de l'annihilation totale.
Avis :
Le Mortal Kombat de Paul W.S. Anderson est souvent considéré comme l'une des meilleures adaptations de jeux vidéo, en assumant pleinement un côté rentre-dedans parfaitement adapté à la transposition d'un jeu de combat où le scénario était secondaire. On peut d'ailleurs s'étonner qu'une oeuvre avec une trame aussi mince ait depuis inspiré une suite (Mortal Kombat : Destruction finale), des séries (MK Conquest, Les Gardiens du royaume), un spin-of (Scorpion's revenge), et donc un reboot en 2021.
Ce reboot a su faire parler de lui ces dernières semaines en dévoilant quelques scènes très violentes, dans l'esprit direct du jeu vidéo et de ses fameuses fatalities. Une promesse de fidélité à l'oeuvre de base, à l'heure où les scénaristes utilisent trop souvent le titre des jeux vidéo pour en faire quelque chose de complètement différent. Une promesse qui n'empêchera pas le film d'être vraiment moyen, souffrant même largement de la comparaison avec le film de 1995.
A l'opposé de l'aspect décomplexé du film de Paul W.S. Anderson, ce reboot choisit une voie plus sérieuse, voire même réaliste. Les personnages ont des états d'âme, un passé, et devront apprendre à utiliser leurs pouvoirs. Malheureusement, on s'en fout. C'est un film avec des ennemis provenant d'une dimension parallèle, où un type avale des âmes au petit déjeuner, où un autre maîtrise la glace : le réalisme, on le laisse à l'entrée. On s'en fout d'autant plus qu'on est devant une galerie de personnages lisses et sans charisme, même si j'ai apprécié le fait d'avoir un combattant inédit et créé pour le film. Là encore, la comparaison est cruelle : Liu Kang, Raiden, Shang Tsung ou Goro ne dégagent absolument rien. Un constat qui ne serait pas si grave si les combats, censés être le coeur même de ce type de film, étaient réussis.
ça doit être pratique pour lire la nuit...
Hélas, une nouvelle fois, on reste sur notre faim. En dehors des quelques débordements graphiques, de l'introduction et de l'affrontement final, on n'aura à se mettre sous la dent que des micro-affrontements vite et mal torchés, un peu gâchés par un recours trop fréquent aux effets numériques. A aucun moment les ennemis n'apparaissent comme des menaces, d'autant qu'ils finissent par se faire botter le cul par des héros qui n'ont jamais l'étoffe de combattants confirmés...
Bref, on aurait aimé s'amuser davantage devant ce film, qui se prend malheureusement un peu trop au sérieux (franchement, ces personnages qui prononcent les gimmicks des jeux, quelle idée de merde... n'est pas Scott Pilgrim qui veut...) au lieu d'offrir le divertissement décérébré qu'on attendait. On l'oubliera sans doute bien plus vite que le film de 1995...
Acteurs : Christopher Lee, Edward Woodward, Ingrid Pitt
Date de sortie : 1973
Genre : thriller
Synopsis :
La veille du 1er mai, un policier du continent vient enquêter sur la disparition d'une fillette sur un îlot écossais. Il se heurte à l'hostilité et au mutisme de ses habitants...
Avis :
C'est une oeuvre qui aura longtemps été oubliée dans nos contrées, avant d'être peu à peu redécouverte grâce à quelques passionnés tels que Jean-Pierre Dionnet et de devenir un classique, inspirant quelques films récents tels que Midsommar ou The VVitch... et même d'avoir droit à son remake avec l'inénarrable Nicolas Cage. Cette oeuvre, c'est The Wicker man, présent dans la liste des 100 meilleurs films britanniques du British Films Institute et considéré par Christopher Lee comme le meilleur film de sa carrière.
S'il commence comme une enquête policière assez classique, le film de Robin Hardy va peu à peu brouiller les pistes, et nous emmener comme le sergent Howie dans un univers où les frontières sont floues, où l'on aura constamment l'impression que tout peut arriver, très loin de nos certitudes : celles d'homme de loi et de foi de Howie, celles d'amateurs de cinéma finalement peu habitués à vraiment sortir des sentiers battus du spectateur. En découle un film véritablement unique et particulièrement intelligent.
Cette intelligence se retrouve d'ailleurs dans la confrontation entre les idées de Howie, chrétien dévot, et les habitants de l'île, adeptes de rites païens. L'intolérance horrifiée de l'un contre la condescendante cruauté des autres : le choc entre les deux mondes donnera des scènes formidables où le policier est confronté à tout ce qui incarne le pêché (notamment le sexe, avec ces villageois aux moeurs libérés, cette célébration de la nudité, ces symboles expliqués aux plus jeunes) et la tentation, comme la célèbre scène où Britt Ekland tente de le séduire. Le tout jusqu'à un final terriblement amoral et subversif, qui achève de faire de ce Wicker man une oeuvre culte, unique et indispensable.
